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domingo, 24 de abril de 2011

Dixit Dominus

 

 Dixit Dominus

Salmo 109 del Libro de los Salmos, en la Biblia.
Se considera un salmo regio, perteneciente a la liturgia de la entronización de un rey.
Es uno de los salmos más famosos, al ser el primero que se reza en la hora de Vísperas de los domingos.
A partir de este salmo se han realizado multitud de composiciones vocales y orquestales a lo largo de toda la historia de la música.

Texto en latín del Dixit Dominus
Dixit Dominus Domino meo:
sede a dextris meis,
donec ponam inimicos tuos
scabellum pedum tuorum.
Virgam virtutis tuae emittet
Dominus ex Sion:
dominare in medio inimicorum tuorum.
Tecum principium in die virtutis tuae,
in splendoribus sanctorum:
ex utero ante luciferum genui te.
Juravit Dominus,
et non poenitebit eum:
Tu es sacerdos in aeternum
secundum ordinem Melchisedech.
Dominus a dextris tuis confregit
in die irae suae reges.
Judicabit in nationibus, implebit ruinas;
conquassabit capita in terra multorum.
De torrente in via bibet:
propterea exaltabit caput.




Dixit Dominus di Praga (RV 595)

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741)

Performed by La Grande Ecurie et la Chambre du Roy and La Maitrise Boreale
Featuring Lynne Dawson, soprano
James Bowman, counter-tenor
John Elwes, tenor
Stephen Varcoe, bariton
Conducted by Jean-claude Malgoire


 
 
 
 
  
 
 

domingo, 17 de abril de 2011

Music for the Royal Fireworks



Música para los reales fuegos artificiales o Música para los reales fuegos de artificio (en inglés Fireworks Music o Music for the Royal Fireworks) es una composición orquestal de Georg Friedrich Händel de 1749. Fue hecha por encargo de Jorge II de Gran Bretaña para acompañar a los fuegos artificiales que tuvieron lugar en Green Park, Londres, el 27 de abril de 1749. El motivo fue la celebración del final de la Guerra de Sucesión Austriaca y la firma del tratado de Aquisgrán. El número de catálogo de la obra es HWV351. Los músicos fueron situados en un edificio especialmente construido para la ocasión y diseñado por el decorador y arquitecto Giovanni Niccolo Servandoni. Los fuegos artificiales no resultaron al final tan satisfactorios como la música en sí misma debido a que la enorme construcción de madera comenzó arder, provocando, entre otras cosas, la caída de un bajorrelieve del rey. Sin embargo, la composición había sido interpretada públicamente seis días antes, el 21 de abril, en un ensayo general público en los jardines Vauxhall con gran éxito: acudieron más de doce mil personas, causando un atasco de carruajes sobre el puente de Londres que duró tres horas.

La obra se compone de cinco movimientos:
  1. Obertura: Allegro
  2. Bourrée
  3. La Paz: Largo alla siciliana
  4. El Júbilo: Allegro
  5. Minueto I/II
La partitura orginal fue compuesta para una gran orquesta que incluía veinticuatro oboes, doce fagotes (incluyendo un contrafagot), nueve trompetas, nueve trompas, tres pares de timbales y un número no especificado de cajas. La versión más habitualmente interpretada hoy en día, para un conjunto de cuerda y viento más tradicional, fue adaptada por el propio Haendel para ser interpretada en el Hospital de Expósitos de Londres. A esta versión corresponde la única partitura autógrafa existente.

Obertura: Allegro



Bourrée




La Paz: Largo alla siciliana




El Júbilo: Allegro




Minueto I/II



viernes, 1 de abril de 2011

Das wohltemperierte Klavier




Conocido ampliamente en castellano como el Clave bien temperado o también como el Clavecín bien templado (en alemán: Das wohltemperierte Klavier, literalmente "El piano bien temperado", es el nombre de dos ciclos de preludios y fugas compuestos por Johann Sebastian Bach en todas las tonalidades mayores y menores de la gama cromática.
Como mucha de la música de Bach, ninguno de los dos volúmenes fueron publicados en vida. Y también como mucha de su música, se conoce la fecha en que fueron compilados, pero no las fechas en que fueron compuestos, por lo que existen diversas especulaciones al respecto. Lo que sí sabemos es que el primer volumen (que comprende los preludios y fugas del BWV 846 al BWV 869) fue terminado y compilado por Bach en 1722, aunque su primera impresión no llegará hasta mucho después de muerto Bach, en 1801. El segundo volumen (que comprende del BWV 870 al BWV 893) fue terminado y compilado en 1744, si bien también es probable, por el estilo, que muchos de los preludios y fugas de este segundo volumen estuviesen compuestos antes de compilar el primero. Ambos comparten el mismo esquema: cada libro comprende 24 grupos constituidos por un preludio y una fuga en el mismo tono. Empieza por la tonalidad de Do mayor, y después la de Do menor, a la que le sigue Do sostenido mayor y así sucesivamente, hasta haber completado toda la gama cromática de mayor a menor. Es, por tanto, una colección enorme que comprende 48 preludios y 48 fugas cuyo objetivo es, a la vez, musical, teórico y didáctico.

Ambos libros son actualmente conocidos en castellano como El clave bien temperado (libro I y libro II). Sin embargo, el término clave aquí no es más que una deformación del original Clavier, vocablo del antiguo alemán que en tiempos de Bach se aplicaba a todos y cada uno de los instrumentos de teclado, claves, clavicordios, espinetas, órganos, incluso el joven fortepiano. Según Macario Santiago Kastner, en aquella época, el término Clavier significaba ‘clavicordio’ y no ‘clavecín’.

El temperamento se refiere al tipo de afinación de los instrumentos musicales, incluida la voz humana. Las primeras formas de afinación eran las pitagóricas (o las de Aristógenes), en que la escala se dividía en doce partes desiguales matemáticamente perfectas por la regla de 3:2. Pero esos instrumentos sólo permitían ejecutar obras muy sencillas en una sola tonalidad, ya que en otras tonalidades sonaban terriblemente desafinadas (se generaban desagradables armónicos).


Versión para Clavecín
























jueves, 17 de marzo de 2011

Apolo y Dafne



Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas. Eros, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él y para ello le arrojó una flecha de oro, que causaba un amor inmediato a quien hiriere. También hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plomo, que causaba el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su madre, la cual determino convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: "Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria"



La transformación la relata Ovidio en el poema Las metamorfosis. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel.
Apolo y Dafne es una escultura realizada por el italiano Gian Lorenzo Bernini entre los años 1621 y 1624, de estilo barroco. Se trata de una estatua a tamaño real de mármol, expuesta en la Galería Borghese en Roma.


Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios.  Vista desde la espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa.


La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura helenística de la que bebe Bernini. También en el periodo helenístico existía esta percepción de Apolo como un muchacho andrógino, joven y delgado, con un peinado casi femenino, aspectos representados también en esta estatua.  La composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos que reflejan el interés por la representación de las esculturas.



viernes, 11 de marzo de 2011

Les Concerts Royaux


Luis XIV ordenó a Couperin interpretar los petits concerts de chambre todos los domingos, en los años 1714 a 1715. El músico compuso para ellos los Concerts royaux (Conciertos reales), suites instrumentales que se publicaron en 1722. La composición de estas piezas dejaba al intérprete en libertad para elegir la instrumentación que le convenía, así como la manera de tocar entre las posibles que la partitura sugería. Estos "conciertos", compuestos como piezas para clave, tienen un bajo continuo y partes que pueden interpretarse "no sólo al clave, sino también con violín, flauta, viola o fagot". Evocan el arte refinado y delicado de las conversaciones de los salones, la ligereza de la improvisación, la fantasía del humor y la fugacidad del momento. Son suites de danzas que mezclan los estilos italiano y francés, la tradición culta y la popular, con la finalidad de seducir al público.










 







domingo, 27 de febrero de 2011

Concerti Grossi


El concerto grosso (plural concerti grossi) (italiano para gran concierto) era una popular forma de música barroca usada por un conjunto musical que generalmente tenía de cuatro a seis movimientos, en los cuales el material musical era pasado entre un pequeño grupo de solistas (un concertino) y una orquesta completa (el tutti). Los compositores franceses, en cambio, preferían oponer al conjunto orquestal un pequeño trío de vientos, que continuaría en el tercer movimiento (scherzo) de la sinfonia clásica















lunes, 21 de febrero de 2011

La "Chapelle Royale" de Versalles


La construcción de la capilla, dedicada a San Luis, el rey y el antepasado de los Capetos,  canonizado por la Iglesia, se inició en 1689.  Fue interrumpida por la guerra y las obras se reanudaron en 1699 por J.H. Mansart, quien murió durante la construcción, en 1708.  Fue terminada en 1710 por  Robert de Cotte y bendecida el 05 de junio 1710 y la primera celebración  que se llevó a cabo fue el matrimonio del duque de Berry 6 de julio de 1710
Cinco años después de la muerte de Luis el Grande se abre, se usa principalmente para celebrar los funerales de los miembros de la familia real, el delfín (1711), el duque de Borgoña, duquesa de Borgoña y su hijo mayor (1712) y el duque de Berry (1714)




Boda del Delfín (Luis XVI) y María Antonieta
Ceremonia del Colegio del Espíritu Santo
Durante el siglo XVIII, la capilla sirvió como testigo en muchas ceremonias de la corte.  Te Deum se cantaban para celebrar las victorias militares y para celebrar el nacimiento de los hijos de los reyes. Las celebraciones asociadas a los matrimonios de los miembros de la familia real se encontraban entre la historia completa de la capilla, como la boda del Delfín Luis Fernando con María Teresa de Esapña, el 23 de febrero 1745 y las del Delfín Luis Augusto - el futuro Luis XVI- con la archiduquesa María Antonieta de Austria, el 16 de mayo 1770. Sin embargo, de todas las ceremonias asociadas a la capilla, los relacionados con el Colegio del Espíritu Santo fueron algunos de los más famosos y más lujosos de la historia de la capilla. 

Michel Chapuis en el órgano de la Chapelle Royal


J. B. Lully - Te deum - Parnasse français, Louis Castelain 

Chapelle Royale. Vesalles

jueves, 17 de febrero de 2011

Ballet des Arts

BALLET DES ARTS. 1663 
Jean Baptiste Lully (1632-1687)
Dansé par su Majesté le 8 janvier 1663 à Paris au Palais-Royal.

(Recitativos en francés del programa original)
Interpreta: La Simphonie du Marais.
Director: Hugo Reyne.

Palais-Royal. Le Jardin
Ouveture
I -L´Agriculture.
II -La Navegation.
III -L´Orfèvrerie.
IV -La Peinture.
V -La Chasse.
VI -La Chirugie.
VII -La Guerre.


Ouverture.

Avant-Propos.La Paix ayant produit l´abondance, et fait naître les plaisirs et refleurs les sciences et les arts: les sept que l´on nomme libéraux, conduits par leur inventeur, Prométhée, viennent paraître en cette superbe cour: et comme la musique en est l´un des plus nobles et des plus agréables, elle fait avec les autres, par un grand concert d´intruments, l´overture de Ballet des Arts en géneral, dont quelques-uns soit mécaniques ou autres, ont été choisis pour faire les entrées de ce ballet; chacune étant précédée d´un changement de théâtre et d´un récit.

I.L´Agriculture.

Dialogue de la Paix et de la Felicité:
Ritournelle,
Dialogue 1º couplet,
Ritournelle,
Dialogue 2º couplet.
Dorotheé Leclair, dessus:
La Felicité.
Mélodie Ruvio, bas-dessus:
La Paix.

Cet Art est représenté par les Bergers et des Bergères: les quels sortent des agréables bocages, que font la décoration de cette première scène. Après que la Félicité et la Paix qui les accompagment toujours ont fait un récit en dialogue, auquel répond un choeur d´instruments rustiques.

II. La Navigation:
  
 Récit de Thetis:
Ritournelle,
Récit 1º couplet,
Ritournelle,
Récit 2º couplet.
II.Entrée: Corsaire et Pirates
1º Air: un Corsaire et quatre Pirates
2º Air pour les Pirates.
Dorothée Leclair, dessus: 
Thétis.

La mer paraît en éloignement de laquelle Thétis sortant avec trois autres divinités marines, chante des vers à la louange de la Navigation. Un chef de Corsaires avec quatre Pirates de sa suite arrivent sur le rivage ne s´eloignant jamais d´un élément, sur lequel il établit sa demeure.

III. L´Orfèvrerie

Récit de Junon:
Ritournelle,
Récit 1º et 2 couplets
III.Entrée:Courtisans
1ºAir: Les Courtisans chargés d´orfévrerie
2ºAir pour les mêmes.
Mélodie Ruvio, bas-dessus:
Junon.

Junon descend dans une machine qui représente une mine d`or, comme la dèesse qui préside aux richesses, et fait le récit pour l´Orfévrerie, en suite duquent quatre Courtisans qui ont acheté de quelques orfévres les superbes ornements dont is sont parés, font la troiséme Entrée.

IV. La Peinture:

Dialogue d´Apelle et de Zeuxis.
Ritournelle,
Dialogue 1º couplet,
Ritournelle,
Dialogue 2º couplet.
Romain Champion, haute-contre:
Apelle.
Arnaud Richard, basse:
Zeuxis.

La Peinture:
IV. Entrée: Valets,Peintres et Dames.
1º Air: Les Valets des Peitres.
2º Air pour quatre Peintres et deux Valets.
3º Air pour les Peintres et quatre Dames ridicules.

Le théatre se change en une galerie orneé de plusieurs tableaux et statues, du font de laquelle sortent les ombres de ces deux grands Peintres de l´antiquité Zeuxis et Apelle, qui font entre-elles un dialogue servant de récit à l´Art de la Peinture. Quatre Peintres grotesques, suivis de leurs Valets, avec quatre Dames ridicules qui vont se faire peindre, dansent cette Entrée d´une maniére plaisante et bizarre.

V -La Chasse

La Chasse:
Récit de Diane.
Ritournelle de flûtes,
Récit 11 et 2ºcouplets,
Ritournelle.Dorothée Leclair, dessus:
Diane.
V. La Chasse:

Diane sort d´une forêt, en laquelle la face du théâtre s´est changée, et accompagnée de quelques nymphes, fait un récit auquel plusieurs intruments répondent, et Céphale suivi de six autres Chasseurs danse cette Entrée.

La Chasse.
V. Entrée: Céphale et les Chasseurs.
1ªAir: Céphale et six Chasseurs.
2ºAir: pour les Chasseurs.

VI -La Chirugie.

La Chirurgie.
Récit d´Esculape:
Ritournelle,
Récit 1º couplet,
Ritournelle,
Récit 2º couplet. 
VI. La Chirurgie:
 

Une salle remplie de plusieurs vases de porcelaine, et de toutes les choses que peuvent remédier aux accidents qui arrivent au corps humain, sert de décoration à l´Art de la Chirurgie. Esculape, dieu de la Médecine, avec quelques vieux Docteurs en sort et fait le récit. Plusieurs Estropiés de toutes les maniéres, dansent une fort ridicule Entrée, qu´un Chirurgien savant et adroit ayant vu, il les met en état, par leur guérison entière, d´en danser une autre avec beaucoup de disposition.
La Chirurgie:
VI. Entreé: Chirurgiens, Docteurs et Estropiés.
1ºAir: un Chirurgien, quatre Docteurs et huit Estropiés.
2ºAir pour les Docteurs et Chirurgiens.
3ºAir pour les Estropiés.

VII -La Guerre
La Guerre:
Dialogue de Mars et de Bellone.
Ritournelle,
Récit 1º couplet,
Ritournelle,
Récit 2º couplet. 
Mélodie Ruvio, bas-dessus:
Bellone. 
VII. La Guerre:

Un camp orné de plusieurs tentes et pavillons, montre que l´Art de la Guerre va se faire voir: Marte et Bellone dans una machine ayant chanté des vers en dialogue à la louange de cet Art, qui produit tant de renommée et de gloire à ceux qui l´exerce dignement. La déesse Pallas toute brillante, et aussi considérable par sa valeur que par sa beauté descend du ciel: et se joignant à quatre charmantes Amazones dans la septième Entrée: Après qu´un grand concert de plusieurs instruments a succédé au récit de Mars et Bellone
La Guerre.
VII. Entrée: Pallas, Amazones et Vertus.
1ºAir: Concert des Amazones.
2ºAir: Pallas et quatres Amazones.
3ºet denier Air: Les Vertus.

Piazza Navona


El gusto barroco en la Piazza Navona. Oleo de G. P. Paninni, 1729

Tal vez no existe en Roma, ni el el mundo, un espacio mas Barroco que el del ámbito de la Piazza Navona. Este espacio urbano de 276 metros de largo x 54 metros de ancho, ocupa el lugar donde se construyó el Estadio de Domiciano, en el año 86 d.C. en un suburbio de la ciudad, el Campo Marzio.  El estadio, que seguía el esquema de los estadios griegos, en forma de herradura con graderías, tenía una capacidad de 30.000 espectadores y en el desarrollaban juegos atléticos. Fue el papa Inocencio X, quien decidió transformar el espacio donde estaba el Estadio en la actual Plaza que decoró con tres grandes obras maestras, La Fontana dei Quattro Fiumi de Bernini, el Palazzo Pamphili, donde residía Donna Olimpia, cuñada de Inocencio X, y la Iglesia de Sant Agnese in Agone, antigua capilla de la familia papal. El elemento central  de la plaza es la obra maestra del genial arquitecto y escultor Gianlorenzo Bernini: 

La fuente los los cuatro ríos, brillantemente esculpida entre 1648-51. Cuatro figuras de mármol, dispuestas  en dramática tensión, representan al Nilo (cuya oscura faz representa los orígenes desconocidos de este río) el Danubio (que mira hacia los emblemas de Inocencio X), el Ganges (sosteniendo un remo por su longitud como río navegable) y el Río de la Plata (redeado de monedas para simbolizar la riqueza de América), representando cada uno de los cuatro continentes conocidos en ese entonces. La fuente está coronada por un obelisco egipcio que el emperador romano Caracalla hizo traer a Roma. Además la plaza presenta dos fuentes a ambos extremos, esculpidas por  el escultor Giacomo della Porta, al costado sur de la plaza, otro hito  barroco:



la Fuente del Moro, de 1575. Casi un siglo después, en 1673, Bernini le aumentó la figura de un moro luchando con un delfín, que le da nombre a la fuente. Adicionalmente, cuatro tritones fueron añadidos en el siglo XIX, Al norte está la fuente de Neptuno, creada en 1574, aunque la estatua del dios marino fue recién añadida en 1878 por Antonio della Bitta.
Piazza Navona. Óleo de Canaletto.  h. 1760
La basílica de Santa Agnese  se erigió en el punto donde, cuenta la leyenda,  la santa, de 12 años, fue torturada por reusar a casarse con un pagano. La niña virgen fue desnudada, pero milagrosamente su pelo creció hasta cubrirla y salvarla de la vergüenza. Murió decapitada.  Entre los años 1653-1657 las obras de la fachada se completaron por parte del arquitecto Francesco Borromini, que cambió la distancia entre las dos torres laterales y presentó un volumen cóncavo en el centro. La cúpula barroca es el punto focal que contrasta con la horizontalidad de la plaza. Sant'Agnese in Agone es considerada como una de las mas espectaculares creaciones barrocas de la Roma de Borromini.

Fiestas de agosto Piazza Navona. Óleo de Paninni
Entre 1652 y 1866 la plaza Navona adquirió además una singular tradición: el piso de la plaza se inundaba los fines de semana de cada Agosto (bloqueando para ello el desagüe de las fuentes) y se convertía en un lago en honor a la familia Pamfili, aunque es falso que aquí se ejecutaran representaciones de batallas navales.Tenemos un rico registro visual de tales arreglos durante periodo Barroco […] que van desde ornamentos colgados en los edificios de la plaza hasta encasetamientos y estructuras tempolares erigidas independientemente de los edificios”.

 

domingo, 13 de febrero de 2011

Cantatas: Arias para Soprano



Un aria es una pieza musical para ser cantada por una voz solista, habitualmente con acompañamiento orquestal y como parte de una ópera o de una zarzuela. Antiguamente, era cualquier melodíacantante. En todo caso, es una composición teatral o musical de finales del Renacimiento compuesta para ser ejecutada por un solo intérprete. expresiva frecuentemente, aunque no siempre, ejecutada por un
La palabra significa aire en italiano.







A. Vivaldi: Domine Deus, Gloria,  Kirsten Evers, Soprano, Dirige Wolfgang Zilcher



J. S. Bach. Arie "Die Seele ruht in Jesu Händen" aus Kantate Nr. 127, Herr Jesu Christ, wahr'r Mensch und Gott.  Soprano: Kirsten Evers, dirige: Wolfgang Zilcher.



Henry Purcell: Crown the altar,
Kirsten Evers, Sopran



G. F. Händel: Aria  Messias "Rejoice greatly"
Kirsten Evers, Sopran
Wolfgang Schlei,Piano



J. S. Bach: Arie "Mein gläubiges Herze" aus Kantate Nr. 68,  
Kirsten Evers, Soprano

martes, 8 de febrero de 2011

"Adagios" Barrocos



adagio  (del it. adagio, despacio)
m. mús. Movimiento lento del ritmo musical.
Composición o parte de ella en este movimiento.
Diccionario Enciclopédica Vox 1. 2009 Larousse Editorial, S.L.
















sábado, 5 de febrero de 2011

Weihnachts Oratorium

Desde Munich se puede ver desde lejos,
 en una colina en la intersección de la llanura y las colinas del barrio de Altmoränengebie la Iglesia de la Ascención de María, en Tading pequeño pueblo perteneciente al sur del distrito de Erding. Uno de los lugares de peregrinación más importantes de esta región alemana.

 Iglesia barroca, de interior majestuso, construida entre 1714-1717  por el maestro de obras Kogler Anton y Erdinger de Freising y dedicada al obispo Johann Franz Ecker  No es la primera iglesia, pero si la tercera que se construyó en este lugar.  El escultor Josef Senes creó el magnífico altar  en medio del original gótico los fresos tienen alrededor de 1.500 imágenes.  Las esculturas valiosas y bellas son de Christian Jorhan de Landshut. Las pinturas de la bóveda, son el pintor de la corte de Munich Johann Martin Heigl, realizadas  en 1765 como una de sus obras más maduras. Representa a la Asención de María. .
Hoy en día se conoce la Iglesia de la Ascensión, no sólo como un lugar de peregrinación, sino también por las actuaciones de música clàsica, coros y conciertos. 





Johann Sebastian Bach (1685-1750)

Weihnachtsoratorium BWV 248
Kantate I 






miércoles, 2 de febrero de 2011

Concierto en "Sans Souci"




"Sans Souci" es el palacio de verano oficial de Federico II  rey de Prusia (1712-1786, llamado "el Grande"), en Postdam, a la afueras de Berlín, de estilo Barrco tardío compuesto además por numerosos  templetes y pablellones diseminados por el parque que rodea el conjunto. El palacio fue obra del arquitecto Wenzeslaus von Knobelsdorff , con aportes del propio rey y  construido entre 1745 y 1747 como residencia privada del rey, donde pudiera relajarse lejos de la pompa y la ceremonia de la corte de Berlín. 


 Esta circunstancia es patente en el mismo nombre del palacio: Sans Souci es un término francés que puede traducirse como Sin preocupaciones, simbolizando que el palacio era más bien un lugar de descanso que un centro de poder.
Federico  fue desde su infancia un gran amante de la música y las artes hasta el punto de mantener una orquesta propia, era un flautista bastante aceptable, y llegó a componer varias obras para ese instrumento. En su época sus conciertos eran calificados de "magníficos y admirables",  son agradables de escuchar, y sólo un oído crítico (como el de Quantz, profesor de flauta del rey ) puede percibir que son de simple estructura.


Pero la principal aportación de Federico II a la música es totalmente indirecta. Al subir al trono, en 1740, contrató a Carl Philipp Emanuel Bach, hijo de Johann Sebastián Bach. 
J. S. Bach  hizo una visita al rey en Potsdam en 1747, que le recibió con todos los honores;  al saber de la llegada del músico Federico exclamó:  "Caballeros, he aquí al viejo Bach",  para distinguir al padre de su hijo Emanuel.  La visita siguió con toda clase de agasajos, Federico llegó incluso a hacer que Bach probase todos los órganos instalados en Potsdam.

 
   "Concierto para flauta", pintura de Adolph von Menzel, (1852) que representa a Federico mientras toca la flauta acompañando a su primer clavecinicsta  C.P.E. Bach  en la Sala de Mármol, pablellón cental de Sans Souci,  Quantz, el profesor de flauta del rey aparece en el extremo derecho, acompañados de J. S. Bach, a la izquierda

Concierto para Flauta en C Mayor. Federico II El Grande

Primer Movimiento Allegro 

Segundo Movimiento Grave

Tercer Movimiento Allegro assai





Del Film aus "Der Grosse König",  (1930)  Concierto para Faluta en Sans Souci,  con Otto Gebühr como Federico el Grande.



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