La galerie des Glaces

 La Galería de los Espejos, llamada todavía Gran Galería, es una galería suntuosa destinada a deslumbrar a los visitantes. Es una de las joyas del Palacio de Versalles. Concebida por el arquitecto Jules Hardouin Mansart, se construyó entre 1678 y 1684, reemplazando una terraza de Luis Le Vau que unía las dos alas del palacio con la fachada del Oeste.

De estilo barroco tiene una longitud de 73 metros por 10.50 de ancho. Diecisiete ventanas proporcionan la luz que se refleja en 357 espejos puestos frente a frente. Semejante galería fue un acontecimiento en el siglo XVII porque, por primera vez, uno se podía contemplar de cuerpo entero. La galería representó, asimismo, un lujo impresionante teniendo en cuenta que, en aquel tiempo, un espejo resultaba muy caro.

La bóveda está decorada con pinturas de Charles Le Brun en las que se representa el reinado de Luis XIV. En principio se ornamentó con un mobiliario y numerosas estatuas, cosas que desaparecieron durante la Revolución francesa.

La decoración de Le Brun no es sólo una obra de arte: es el monumento definitivo a un reinado.

Obras (Orden de arriba a abajo)
Con relación a la página: http://www.galeriedesglaces-versailles.fr/html/11/collection/c1.html

Alliance de l'Allemagne et de l'Espagne avec la Hollande, 1672
L'Ambition
Renommées et Victoires
La Colère
La Hollande secourue contre l'évêque de Munster, 1665
Soulagement du peuple pendant la famine, 1662
Réparation de l'attentat des Corses, 1664
Le Passage du Rhin en présence des ennemis, 1672
Le Roi prend Maëstricht en treize jours, 1673
Défaite des Turcs en Hongrie par les troupes du roi, 1664
La Fureur des duels arrêtée, 1662
La Prééminence de la France reconnue par l'Espagne, 1662
Le Roi donne ses ordres pour attaquer en même temps quatre des plus fortes places de la Hollande, 1672
Le Roi arme sur terre et sur mer, 1672
Rétablissement de la navigation, 1663
Guerre contre l'Espagne pour les droits de la reine, 1667
Réformation de la justice, 1667
Le Roi gouverne par lui-même, 1661
Faste des puissances voisines de la France
L'Ordre rétabli dans les finances, 1662
La Paix conclue à Aix-la-Chapelle, 1668
Protection accordée aux beaux-arts, 1663
La Franche-Comté conquise pour la seconde fois, 1674
Résolution prise de faire la guerre aux Hollandais, 1671
Établissement de l'hôtel royal des Invalides, 1674
Acquisition de Dunkerque, 1662
Ambassades envoyées des extrémités de la terre
Prise de la ville et de la citadelle de Gand en six jours, 1678
Mesures des Espagnols rompues par la prise de Gand
Renouvellement d'alliance avec les Suisses, 1663
Sûreté de la ville de Paris
Jonction des deux mers
L'Envie
La Paix et l'Abondance
La Discorde
La Hollande accepte la paix et se détache de l'Allemagne et de l'Espagne, 1678

Auteur : Nicolas Milovanovic
© Coproduction RMN – EPV, 2008

Conciertos para Clave. J. S. Bach (5-7)

El concierto para teclado nace en las primeras décadas del S. XVIII de la mano del compositor alemán Johann Sebastian Bach (1685-1750), donde es el primer maestro y fundador del nuevo género. Su concierto de Branderburgo número 5 (1719) es la primera muestra del concierto para clavicémbalo, donde el clave hace una larga cadencia y relega por primera vez su función de realizar el bajo continuo. Más tarde, Bach compuso los conciertos para clavicémbalo BWV 1052-1065 (1735) asentando el nuevo género definitivamente.

Después de las primeras aportaciones de Bach, el género cada vez se consolida y se expande más y entre 1730 y 1780 compositores de generaciones posteriores y contemporáneos cultivaran este género con más frecuencia y número ampliándose con más fuerza y poniéndolo más de moda.

Harpsichord Concerto No.5 in F Major BWV 1056

 Harpsichord Concerto No.6 in F Major BWV 1057

  

 

 

 Harpsichord Concerto No.7 in F Major BWV 1058

Conciertos para Clave J. S. Bach (1-4)

El Clave en el Barroco tardío (1719-1760) 

El concierto para teclado nace en las primeras décadas del S. XVIII de la mano del compositor alemán Johann Sebastian Bach (1685-1750), donde es el primer maestro y fundador del nuevo género. Su concierto de Branderburgo número 5 (1719) es la primera muestra del concierto para clavicémbalo, donde el clave hace una larga cadencia y relega por primera vez su función de realizar el bajo continuo. Más tarde, Bach compuso los conciertos para clavicémbalo BWV 1052-1065 (1735) asentando el nuevo género definitivamente.

Después de las primeras aportaciones de Bach, el género cada vez se consolida y se expande más y entre 1730 y 1780 compositores de generaciones posteriores y contemporáneos cultivaran este género con más frecuencia y número ampliándose con más fuerza y poniéndolo más de moda.

Bach - Harpsichord Concerto No.1 in D Minor BWV 1052

 

 

 

Bach - Harpsichord Concerto No.2 in D Minor BWV 1053

 

Bach - Harpsichord Concerto No.3 in D Minor BWV 1054

Bach - Harpsichord Concerto No.4 in D Minor BWV 1055

 

Te Deum

Jean Baptiste Lully (Florencia, Italia, 28 de noviembre de 1632 - París, 22 de marzo de 1687)

Jean-Baptiste Lully  compuso el Te Deum en 1677 para representarlo ese mismo año en el bautizo de su hijo en Fontainebleau, celebración a la que asistió Luis XIV y  se presentó de nuevo en 1686 para agradecer la recuperaicón de Luis XIV de una enfermedad.

Como era habitual en toda celebración de algún acontecimiento real favorable, se oficiaron y cantaron cientos de Te Deum en las iglesias de Francia (sobre todo, en las parisinas) para agradecer al Altísimo la curación del más alto de los mortales.  Lully  organizó y dirigió el suyo en la iglesia de los Padres Bernardos de la calle de Saint Honoré de París.

Se anunció a bombo y platillo para el día 8 de enero de 1686 Se había construido en la iglesia un anfiteatro para los músicos (100 voces y 50 instrumentistas), el templo estaba suntuosamente decorado con tapicerías (procedentes, por cierto, de los almacenes reales), construcciones efímeras, símbolos y alegorías dorados, infinidad de luces... Ofició la ceremonia el nuncio papal, acompañado de varios obispos y otros eclesiásticos, revestidos con los ornamentos que había donado al monasterio la difunta reina Ana de Austria, madre de Luis, y asistieron el Delfín y algunos embajadores extranjeros.

Fue, como se esperaba, una ceremonia magnífica, generalmente , el compositor se dirigía la orquesta con una partitura enrollada a modo de batuta. Pero aquel día Lully lo hizo con un bastón , quizá porque quería transmitir a la orquesta y al coro -más nutridos de lo habitual- toda la energía del mundo. Y con tanta energía dirigió, que se golpeó un pie con el bastón, haciéndose una herida en el dedo meñique.

 La herida no sólo no se curó, sino que en unos días empezó a empeorar.  Su médico, Mr. Alliot, empezó a sospechar y temer. Y en poco tiempo los malos presagios se confirmaron: gangrena.

El médico propuso una solución drástica: "Baptiste, sería bueno cortar el dedo". Pero Lully no aceptó y el deterioro de la herida fué fatal.

El sábado 22 de marzo de aquel año  de 1687, entre las nueve y las diez de la mañana, Jean Baptiste Lully finalmente falleció. En noviembre habría cumplido 55 años.

TE DEUM

Texto original en latín

Te Deum laudamus:
te Dominum confitemur.
Te aeternum patrem,
omnis terra veneratur.

Tibi omnes angeli,
tibi caeli et universae potestates:
tibi cherubim et seraphim,
incessabili voce proclamant:

Sanctus, Sanctus, Sanctus
Dominus Deus Sabaoth.
Pleni sunt caeli et terra
majestatis gloriae tuae.

Te gloriosus Apostolorum chorus,
te prophetarum laudabilis numerus,
te martyrum candidatus laudat exercitus.

Te per orbem terrarum
sancta confitetur Ecclesia,
Patrem immensae maiestatis;
venerandum tuum verum et unicum Filium;
Sanctum quoque Paraclitum Spiritum.

Tu rex gloriae, Christe.
Tu Patris sempiternus es Filius.
Tu, ad liberandum suscepturus hominem,
non horruisti Virginis uterum.

Tu, devicto mortis aculeo,
aperuisti credentibus regna caelorum.
Tu ad dexteram Dei sedes,
in gloria Patris.

Iudex crederis esse venturus.

Te ergo quaesumus, tuis famulis subveni,
quos pretioso sanguine redemisti.
Aeterna fac
cum sanctis tuis in gloria numerari.

Salvum fac populum tuum, Domine,
et benedic hereditati tuae.
Et rege eos,
et extolle illos usque in aeternum.

Per singulos dies benedicimus te;
et laudamus nomen tuum in saeculum,
et in saeculum saeculi.

Dignare, Domine, die isto
sine peccato nos custodire.
Miserere nostri, Domine,
miserere nostri.

Fiat misericordia tua, Domine, super nos,
quem ad modum speravimus in te.
In te, Domine, speravi:
non confundar in aeternum.

Interpreta: Jean-François Paillard, Orchestre de Chambre. Paris

Dixit Dominus

 

 Dixit Dominus

Salmo 109 del Libro de los Salmos, en la Biblia.

Se considera un salmo regio, perteneciente a la liturgia de la entronización de un rey.

Es uno de los salmos más famosos, al ser el primero que se reza en la hora de Vísperas de los domingos.
A partir de este salmo se han realizado multitud de composiciones vocales y orquestales a lo largo de toda la historia de la música.

Texto en latín del Dixit Dominus

Dixit Dominus Domino meo:
sede a dextris meis,
donec ponam inimicos tuos
scabellum pedum tuorum.
Virgam virtutis tuae emittet
Dominus ex Sion:
dominare in medio inimicorum tuorum.
Tecum principium in die virtutis tuae,
in splendoribus sanctorum:
ex utero ante luciferum genui te.
Juravit Dominus,
et non poenitebit eum:
Tu es sacerdos in aeternum
secundum ordinem Melchisedech.
Dominus a dextris tuis confregit
in die irae suae reges.
Judicabit in nationibus, implebit ruinas;
conquassabit capita in terra multorum.
De torrente in via bibet:
propterea exaltabit caput.

Dixit Dominus di Praga (RV 595)

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741)

Performed by La Grande Ecurie et la Chambre du Roy and La Maitrise Boreale
Featuring Lynne Dawson, soprano
James Bowman, counter-tenor
John Elwes, tenor
Stephen Varcoe, bariton
Conducted by Jean-claude Malgoire

 

 

 

 

  

 

 

Music for the Royal Fireworks

Música para los reales fuegos artificiales o Música para los reales fuegos de artificio (en inglés Fireworks Music o Music for the Royal Fireworks) es una composición orquestal de Georg Friedrich Händel de 1749. Fue hecha por encargo de Jorge II de Gran Bretaña para acompañar a los fuegos artificiales que tuvieron lugar en Green Park, Londres, el 27 de abril de 1749. El motivo fue la celebración del final de la Guerra de Sucesión Austriaca y la firma del tratado de Aquisgrán. El número de catálogo de la obra es HWV351. Los músicos fueron situados en un edificio especialmente construido para la ocasión y diseñado por el decorador y arquitecto Giovanni Niccolo Servandoni. Los fuegos artificiales no resultaron al final tan satisfactorios como la música en sí misma debido a que la enorme construcción de madera comenzó arder, provocando, entre otras cosas, la caída de un bajorrelieve del rey. Sin embargo, la composición había sido interpretada públicamente seis días antes, el 21 de abril, en un ensayo general público en los jardines Vauxhall con gran éxito: acudieron más de doce mil personas, causando un atasco de carruajes sobre el puente de Londres que duró tres horas.

La obra se compone de cinco movimientos:

1. Obertura: Allegro
2. Bourrée
3. La Paz: Largo alla siciliana
4. El Júbilo: Allegro
5. Minueto I/II

La partitura orginal fue compuesta para una gran orquesta que incluía veinticuatro oboes, doce fagotes (incluyendo un contrafagot), nueve trompetas, nueve trompas, tres pares de timbales y un número no especificado de cajas. La versión más habitualmente interpretada hoy en día, para un conjunto de cuerda y viento más tradicional, fue adaptada por el propio Haendel para ser interpretada en el Hospital de Expósitos de Londres. A esta versión corresponde la única partitura autógrafa existente.

Obertura: Allegro

Bourrée




La Paz: Largo alla siciliana




El Júbilo: Allegro




Minueto I/II

Das wohltemperierte Klavier

Conocido ampliamente en castellano como el Clave bien temperado o también como el Clavecín bien templado (en alemán: Das wohltemperierte Klavier, literalmente "El piano bien temperado", es el nombre de dos ciclos de preludios y fugas compuestos por Johann Sebastian Bach en todas las tonalidades mayores y menores de la gama cromática.

Como mucha de la música de Bach, ninguno de los dos volúmenes fueron publicados en vida. Y también como mucha de su música, se conoce la fecha en que fueron compilados, pero no las fechas en que fueron compuestos, por lo que existen diversas especulaciones al respecto. Lo que sí sabemos es que el primer volumen (que comprende los preludios y fugas del BWV 846 al BWV 869) fue terminado y compilado por Bach en 1722, aunque su primera impresión no llegará hasta mucho después de muerto Bach, en 1801. El segundo volumen (que comprende del BWV 870 al BWV 893) fue terminado y compilado en 1744, si bien también es probable, por el estilo, que muchos de los preludios y fugas de este segundo volumen estuviesen compuestos antes de compilar el primero. Ambos comparten el mismo esquema: cada libro comprende 24 grupos constituidos por un preludio y una fuga en el mismo tono. Empieza por la tonalidad de Do mayor, y después la de Do menor, a la que le sigue Do sostenido mayor y así sucesivamente, hasta haber completado toda la gama cromática de mayor a menor. Es, por tanto, una colección enorme que comprende 48 preludios y 48 fugas cuyo objetivo es, a la vez, musical, teórico y didáctico.

Ambos libros son actualmente conocidos en castellano como El clave bien temperado (libro I y libro II). Sin embargo, el término clave aquí no es más que una deformación del original Clavier, vocablo del antiguo alemán que en tiempos de Bach se aplicaba a todos y cada uno de los instrumentos de teclado, claves, clavicordios, espinetas, órganos, incluso el joven fortepiano. Según Macario Santiago Kastner, en aquella época, el término Clavier significaba ‘clavicordio’ y no ‘clavecín’^.

El temperamento se refiere al tipo de afinación de los instrumentos musicales, incluida la voz humana. Las primeras formas de afinación eran las pitagóricas (o las de Aristógenes), en que la escala se dividía en doce partes desiguales matemáticamente perfectas por la regla de 3:2. Pero esos instrumentos sólo permitían ejecutar obras muy sencillas en una sola tonalidad, ya que en otras tonalidades sonaban terriblemente desafinadas (se generaban desagradables armónicos).


Versión para Clavecín

Apolo y Dafne

Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas. Eros, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él y para ello le arrojó una flecha de oro, que causaba un amor inmediato a quien hiriere. También hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plomo, que causaba el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su madre, la cual determino convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: "Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria"

La transformación la relata Ovidio en el poema Las metamorfosis. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel.

Apolo y Dafne es una escultura realizada por el italiano Gian Lorenzo Bernini entre los años 1621 y 1624, de estilo barroco. Se trata de una estatua a tamaño real de mármol, expuesta en la Galería Borghese en Roma.

Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios.  Vista desde la espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa.

La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura helenística de la que bebe Bernini. También en el periodo helenístico existía esta percepción de Apolo como un muchacho andrógino, joven y delgado, con un peinado casi femenino, aspectos representados también en esta estatua.  La composición se realiza en plano-relieve, encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos que reflejan el interés por la representación de las esculturas.